Rubrica Cinema di Giulio Fedeli e Maurizio Fantini

Rubrica Cinema di Giulio Fedeli e Maurizio Fantini


     Data:             Martedì 17 Maggio 2022
     Ore:               14:15
     Canale TV :  IRIS (canale 22)

 

 A S F A L T O    C H E    S C O T T A
( C L A S S E    T O U S    R I S Q U E S )

 F R A N C I A  1960 – Regia:  C L A U D E   S A U T E T

 

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Data:             Giovedì 12 Maggio 2022
Ore:               15:50
Canale TV :  RAI MOVIE (canale 24)

U N A   S T R E G A   I N   P A R A D I S O
( B E L L,   B O O K   A N D   C A N D L E ) –  U.S.A.   1958
Regia:  R I C H A R D    Q U I N E

 

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Data:             Martedì 3 Maggio 2022
Ore:               15:10
Canale TV :  IRIS (canale 22)

I L    C O M M I S S A R I O    P E L I S S I E R
(M A X    ET    L E S    F E R R A I L L E U R S)

Regia:   CLAUDE   SAUTET – Francia,  1971

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Data:             Giovedì 14 Aprile 2022
Ore:               21:30
Canale TV :  LA 7D (canale 29)

QUEL  CH

E  RESTA  DEL  GIORNO
 (T H E    R E M A I N S    O F    T H E    D A Y)

 G B / U.S.A.   1993 – Regia:  J A M E S    I V O R Y

 

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Data:             Giovedì 7 Aprile 2022
Ore:               21:10
Canale TV :  TV 2000

EST OVEST Amore e libertà  (E S T – O U E S T)
Regia:  RÉGIS  WARGNIER
co-produz.  Russia/ Ucraina/ Bulgaria/ Spagna/ Francia,  1999

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Data:             Martedì 29 marzo 2022
Ore:               21:20
Canale TV :  canale 5 – (505 HD)

I L     D I A V O L O    V E S T E    P R A D A
( T H E    D E V I L    W E A R S    P R A D A )

U.S.A. 2006 – Regia:  D A V I D    F R A N K E L

 

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Data:             Mercoledì 23 marzo 2022
Ore:               16:45
Canale TV :  RETE 4 – (504HD)

I L    V I Z I E T T O
( L A    C A G E    A U X    F O L L E S )

FRANCIA – ITALIA,  1978   –   Regia:  ÉDOUARD  MOLINARO 

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Data:             Domenica 20 marzo 2022
Ore:               17:00
Canale TV :  RETE 4 – (504HD)

R A N C H O   N O T O R I U S
U.S.A. 1952  –  Regia:  F R I T Z   L A N G

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Data:             Giovedì 17 marzo 2022
Ore:               17:20
Canale TV :   IRIS – CANALE 22

F A N D A N G O
U.S.A.,  1985   –   Regia:  KEVIN  REYNOLDS

 

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 Data:             Martedì 15 marzo 2022
 Ore:               16:35
 Canale TV :   RETE 4 – (504HD)

L’ALBERO DEGLI IMPICCATI
(THE HANGING TREE) – U.S.A. 1959 – Regia: DELMER DAVES

 

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Data:             Martedì 8 marzo 2022
Ore:               21:10
Canale TV :   RAI MOVIE – (canale 24)

C O M E    E R A V A M O  (THE  WAY  WE  WERE)
U.S.A.,  1973   –   Regia:  SYDNEY  POLLACK

Sapete  quanto  ci  teniamo  ad  affiancare  alle  osservazioni  riguardanti  propriamente  la  Storia  del  Cinema,  riflessioni  pertinenti  la  Critica  Cinematografica.  Sottolineando  quanto  il  Critico  dovrebbe  – un  po’  alla  maniera  dei  conoscitori  delle  arti  figurative –  individuare  subito,  con  occhio  infallibile,  autori  e  film  importanti  da  ciò  che  non  lo  è.  Ripetiamo:  subito,  non  dopo  anni  o  decenni.  Laddove  succedesse,  è  evidente  che il  discorso  si  situerebbe  su  un  altro  piano,  e  soprattutto  la  cosa  andrebbe  riconosciuta  apertamente.  L’esempio  più  trasparente  riguarda  – in  Italia –  il  caso  di  Douglas  Sirk.  Chi,  da  noi,  riconobbe  subito  l’importanza  di  Secondo  amore  o  Lo  specchio  della  vita

Ora,  durante  la  stagione  cinematografica  1973/74,  uscirono  in  Italia  film  di  alto  o  altissimo  livello  di  cui,  tutto  sommato,  ci  si  occupò  adeguatamente:  Lancillotto  e  Ginevra  di  Robert  Bresson;  Amarcord  di  Federico   Fellini;  Sugarland  Express  di  Steven  Spielberg;  Allonsanfàn  dei  fratelli  Taviani… .  Film  di  altissimo  livello  di  cui,  colpevolmente,  non  ci  si  occupò  affatto:  La  rosa  rossa,  di  Franco  Giraldi !  Film  molto  modesti  di  cui,  colpevolmente,  ci  si  occupò  fin  troppo:  Jesus  Christ  Superstar,  di  Norman  Jewison;  L’esorcista,  di  William  Friedkin;  Il  viaggio  di  Vittorio  De Sica;  La  montagna  sacra,  di  Alejandro  Jodorowsky… .  In  mezzo  vi  furono  decine  di  titoli  – soprattutto  americani –  poco  o  nulla  capiti  e  scambiati  per  prodotti  commerciali  pro-botteghino  da  liquidare  in  due  righe.  C’erano  opere  di  qualità  assai  elevata  (Chi  ucciderà  Charley  Varrick?  di  Don  Siegel;  La  conversazione  di  Francis Ford  Coppola;  Paper  Moon  di  Peter  Bogdanovich…),  o  di  medio-buon  livello  (Il  lungo  addio  di  Robert  Altman;  Città  amara  di  John  Huston;  L’ultima  corvé  di  Hal  Ashby…).  Anche  il  nostro  Come  eravamo  fa  parte  di  questo  folto  gruppo:  ma  come,  un  film  con  il  bello  Robert  Redford,  e  Barbra  Streisand,  la  cantante  de  Il  gufo  e  la  gattina ?  E  invece  il  film  con  il  “biondo  era,  e  bello”,  e  la  canzonettista  da  145  milioni  di  dischi  venduti,  è  una  delle  riflessioni  più  ricche  sulla  recente  storia  americana!

Fra  chi  riconobbe  subito  (subito,  nel  1974!)  il  valore  di  Come  eravamo,  vi  fu  il  nostro  amato  Tullio  Kezich  (allora  46enne).  Eccolo  in  integrale:  « Non  eravamo  poi  tanto  diversi  da  questi  ragazzi  che  oggi  facciamo  finta  di  non  comprendere:  ce  lo  dice  il  regista  Sydney  Pollack,  un  quarantenne  che  parla  a  nome  degli  ultracinquantenni.  Tra  un  flash-back  e  l’altro,  la  vicenda  di  Come  eravamo  abbraccia  circa  tre  lustri:  dal  ’37  agli  inizi  degli  anni  Cinquanta,  cioè  dalla  vigilia  della  seconda  guerra  mondiale  alle  mobilitazioni  popolari  contro  la  bomba  atomica.  Sulle  vette  degli  incassi  americani  con  oltre  11  milioni  di  dollari,  il  film  è  un  tipico  prodotto  dell’operazione  nostalgia:  favoleggia  agli  spettatori,  con  toni  delicati  alla  Scott Fitzgerald,  di  un’epoca  dove  tutto  sarebbe  stato  meno  grossolano  che  al  giorno  d’oggi  (ma  Scott  diceva  le  stesse  cose  degli  anni  Venti,  scrivendone  nel  cuore  del  decennio  successivo).  Robert  Redford,  bello  e  dannato,  è  uno  scrittore  dottissimo,  troppo  arrendevole  ai  richiami  della  dolce  vita;  Barbra  Streisand,  bruttina  e  superimpegnata,  è  una  comunista  ebrea  che  ha  fatto  di  Roosevelt  il  suo  dio  e  crede  di  poter  cambiare  il  mondo.  Come  eravamo  è  la  cronaca  del  loro  incontro  e  dei  loro  scontri,  dalle  scaramucce  del  college  al  matrimonio  dopo  la  guerra,  per  finire  in  quel  cimitero  degli elefanti  (intellettuali)  che  una  certa  letteratura  ha  collocato  a  Hollywood.  Si  tratta,  però,  di  una  Hollywood  vista  per  la  prima  volta  senza  ipocrisie  negli  anni  della  caccia  alle  streghe.  Qui  dentro  c’è  materia  per  due  film,  di  cui  il  primo  (quello  che  arriva  alla  morte  di  Roosevelt)  sarà  certo  accolto  più  cordialmente  perché  tocca  temi  che  non  riguardano  solo  un’élite.  Però  tutto  lo  spettacolo,  animato  da  due  interpreti  stupendi,  ha  il  fascino  avvincente  delle  cose  riuscite;  e  la  figuretta  di  Barbra  – che  continua  a  strillare  i  suoi  slogan  democratici  nel  finale  amarognolo –  è  un  atto  di  fede  nella  continuità  dell’illusione.  E  (perché  no?)  un  invito  a  non  mollare.»

Il  maggior  esegeta  italiano  di  Sydney  Pollack,  è  stato  l’americanista  Franco  La Polla.  Chi  ci  tenesse  può  ancora  procurarsi  in  Rete  la  sua  preziosa  monografia  nella  collana  “Il  Castoro  Cinema”,  del  1978.  Vi  troverà  anche  illuminanti  indicazioni  bibliografiche  (non  per  l’aggiornamento è naturale,  ma  per  il  nostro  discorso).

Una  considerazione  conclusiva.  Qualcuno  potrebbe  obiettare:  sì,  ma  anche  voi  celebrate  adesso  – a  quasi  14  anni  dalla  scomparsa –  Sydney  Pollack;  quanto  a  Come  eravamo,  arrivò  in  Italia  ben  48  anni  fa!  Già,  ma  noi  lo  riconosciamo  apertamente,  facciamo  i  nomi  giusti,  e  poi  – soprattutto –  uno  di  noi  due,  nel  suo  piccolo,  può  vantare  titoli  di  merito  non  proprio  da  buttar  via.  Insieme  con  il  critico  Gian Carlo  Castelli,  pubblicò in tempi non sospetti,  uno  studio  dettagliato  – rimasto  abbastanza  raro… –  sul  film  forse  più  bello  e  meno  considerato  di  Pollack:  vale  a  dire  Ardenne  44:  un  inferno  (Castle  Keep,  1969)  in  rapporto  al  romanzo  d’origine  di  William  Eastlake.  E,  sempre  con  il  compianto  professore  bustocco,  si  diede  non  poco  da  fare  durante  qualche  anno  per  diffondere  la  conoscenza  (mediante  proiezioni  e  ricche  dispense  di  studio)  di  Questa  ragazza  è  di  tutti,  1966,  e  – soprattutto –  di  Yakuza,  1975,  ennesimo  capolavoro  pollackiano  con  Robert  Mitchum  su  sceneggiatura  di  Paul  Schrader ! 

Sydney  Pollack,  o  uno  specchio  grande  come  gli  Stati  Uniti  d’America.

 

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Data:            Lunedì 7 marzo 2022
Ore:              21:00
Canale TV :  IRIS – (canale 22)

A  HISTORY  OF  VIOLENCE
U.S.A. / CND-2005 – Regia: DAVID  CRONENBERG

[ Tutto  il  cinema  di  David  Cronenberg
– imprescindibile  dal  punto  di  vista  della  cultura  cinematografica – 
non  è  adatto  ai  minori. ]

 

Guardate  bene  la  fotografia.  È  l’interno  dello  “Stall’s  Diner”,  cioè  di  un  luogo  di  ristorazione  tipicamente  americano  – qui  siamo  in  una  città  dell’Indiana,  nella  regione  del  Midwest –  gestito  da  Tom  Stall  (Viggo  Mortensen,  in  tranquillizzante  camicia  marrone  a  quadri).  Ci  sono  le  bottigliette  di  ketchup,  i  bollitori  con  il  caffè  caldo,  la  pubblicità  di  dolci  e  gelati.  C’è  qualcosa  di  più  normale,  di  più  ‘americano’ ?  Sembra  una  stampa  di  Norman  Rockwell,  l’autore  delle  copertine  del  “Saturday  Evening  Post”.  Osservate  ora  l’uomo  seduto  al  banco.  Camicia,  cravatta,  e  occhiali  scuri:  sorride  (un  sorriso  può  avere  molti  significati…),  sorride,  ma  la  sua  presenza  contribuisce  essa  sola  a  deviare  l’atmosfera  da  Rockwell  a  Edward  Hopper,  anch’egli  pittore  dell’american  way  of  life,  di  cui  – viceversa –  ha  sempre  sottolineato  la  solitudine  venata  da  aspetti  inquietanti. 

“Inquietante”,  ecco.  Quando  abbiamo  scelto  i  titoli  da  segnalare,  Maurizio  ha  affermato:  «… c’è  A  History  of  Violence,  film  inquietante  ma  molto  valido…».  Sintesi  tanto  semplice  nella  formulazione  quanto  indovinata  nel  caratterizzare  con  un  solo  aggettivo  il  film  medesimo.  Sì,  inquietante.  A  History  of  Violence  è  l’esatto  opposto  (180°,  un  angolo  piatto…)  dell’hitchcockiano  Delitto  perfetto,  di  cui  si  è  appena  parlato.  Il  titolo,  come  al  solito,  ci  dovrebbe  mettere  subito  in  allarme:  “una  storia  di  violenza”,  va  bene,  ma  se  lo    completassimo  con  il  verbo  to  have  avremmo  to  have  a  history  of  violence,  che  significa  avere  (alle  spalle)  un  passato  violento.  C’è  dunque  qualcuno  dal  passato  discutibile  nel  film ?  Vedi  come  è  la  vita:  si  tratta  proprio  del  gestore  del  diner  con  la  tranquillizzante  camicia  a  quadri  sceso  da  una  copertina  di  Norman  Rockwell.  È  lui,  celebrato  dalla  comunità  come  una  sorta  di  eroe  per  aver  sventato  una  rapina  nel  suo  diner,  a  far  scattare  il  segnale  d’allarme:  quale  è  davvero  il  passato  di  Tom  Stall ? 

La  domanda  se  la  pongono  per  primi  la  moglie  Edie  e  il  figlio  Jack  (ma  in  meno  di  un  secondo  essa  si  trasferisce  allo  spettatore):  che  cosa  succede  quando  una  moglie  e  un  figlio  i  quali  credevano  di  far  parte  di  una  famiglia  ‘perfetta’  (della  perfetta  famiglia  americana),  vengono  assaliti  dal  dubbio  che  il  rispettivo  marito e  padre  tiene  forse  nascosto  qualcosa  di  poco  edificante  intorno  alla  sua  vita  precedente  il  matrimonio ?  E  ciò  che  ha  detto,  ciò  che  dice,  è  una  menzogna,  oppure  vuole  davvero  proteggere  la  famiglia,  oppure… ?  Si  può  amare  (ancora)  una  persona  la  cui  history  sconcerta,  una  persona  che  forse  non  è  mai  esistita,  che  forse  non  esiste  nella  realtà ?  Della  trama  di  questo  splendido  film,  nulla  si  deve  rivelare:  segnaleremo  però  che  a  un  certo  punto  – a  proposito  di  legami  familiari –  salterà  fuori  anche  il  fratello  di  Tom  Stall  (ma  si  chiama  davvero  così ?).

David  Cronenberg  – diciamolo  chiaramente:  è  un  regista  difficile,  complesso –  non  ha  mai  esitato  a  filmare  la  violenza,  ma  se  la  mette  in  scena  non  è  per  estetizzarla,  per  spettacolarizzarla,  come  in  Sam  Peckinpah,  o  in  Sergio  Leone  sia  pure  in  misura  minore.  È  per  rifletterci  sopra.  Anche  dietro  la  famiglia  ideale  dell’inizio  la  violenza  si  fa  strada.  Cronenberg  si  e  ci  chiede:  ma  da  dove  essa  arriva ? 

La  ricchezza  di  A  History  of  Violence  è  molto  estesa  in  temi,  toni,  sfumature.  Come  va  letto  il  ‘quieto’  finale ?  Indubbiamente  il  film  non  tralascia  anche  una  punta  polemica  (forse  qualcosa  più  di  una  punta…)  nei  confronti  di  un  Paese  che  storicamente  e  sociologicamente  ha  avuto  e  ha  molto  a  che  fare  con  la  violenza:  siamo  dalle  parti  del  Martin  Scorsese  di  Gangs  of  New  York,  qui  superato  tuttavia  con  un  balzo  nettissimo. 

David  Cronenberg  (canadese  di  Toronto,  79  anni  martedì  prossimo  15  marzo),  ha  creato  un  universo  a  più  dimensioni,  da  cui  le  domande  intorno  ai  limiti  della  condizione  umana  –  sia  essa  fisica,  morale  o  esistenziale –  sgorgano  senza  sosta.  Un  cinema,  il  suo,  che  mostra  volentieri  il  mondo  visto  con  lenti  deformanti,  e  per  questo  degno  del  qualificativo  di  “moderno”.  Molto  amato  dalle  ultime  generazioni  di  critici.  Mauro  Gervasini,  per esempio,  ha  portato  alle  stelle  A  History  of  ViolenceTom  si  illude  di  costruire  intorno  a  sé  il  mondo  perfetto,  impermeabile  a  qualunque  contaminazione  dell’altro  (i  banditi,  i  gangster,  la  minaccia  che  viene  da  fuori)  e  Cronenberg  fa  quello  che  ha  sempre fatto.  Distrugge  da  dentro.

 

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Data:            Mercoledì 2 marzo 2022
Ore:              16:25
Canale TV :  RETE 4 (504 HD)

IL  DELITTO  PERFETTO
(DIAL M FOR MURDER)
U.S.A.,  1954 Regia:   ALFRED   HITCHCOCK

 

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Data:             Lunedì 28 Febbraio 2022
Ore:              21:00
Canale TV :  IRIS (canale 22)

C’ERA  UNA  VOLTA  A  NEW  YORK
(T H E   I M M I G R A N T) USA – 2013  –  Regia:  JAMES  GRAY

 

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Data:             Mercoledì 23 Febbraio 2022
Ore:              21:00
Canale TV :  IRIS (canale 22)

SHAKESPEARE IN  LOVE   
GB / U.S.A.,  1998 – Regia:   J O H N    M A D D E N

 

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Data:             Domenica 20 Febbraio 2022
Ore:              21:20
Canale TV :  RAI STORIA (canale 54)


I L    P O S T O

ITALIA,  1961   –   Regia:  ERMANNO  OLMI

 

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Data:             Domenica 13 Febbraio 2022
Ore:              18:00
Canale TV :  RAI MOVIE (canale 24)

S A N G U E  S U L L A  L U N A    (BLOOD ON THE MOON) 
U.S.A.,  1948  – Regia:   R O B E R T   W I S E

 

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Data:             Martedì 8 Febbraio 2022
Ore:              21:10
Canale TV :  RAI MOVIE (canale 24)

UN  TRANQUILLO  WEEKEND  DI  PAURA (DELIVERANCE)
U.S.A,  1972   –   Regia:  JOHN  BOORMAN

 

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Data:             Mercoledì 2 Febbraio 2022
Ore:              16:50
Canale TV :  RETE 4 (canale 4 – 504 HD)

LE  TENTAZIONI  DEL  SIGNOR  SMITH  (THIS  HAPPY  FEELING)
U.S.A.,  1958 – Regia:  BLAKE  EDWARDS

 

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              Giovedì 27 Gennaio 2022
Ore:                  22:55
Canale TV :    RAIMOVIE  (canale 24)

 

In  occasione  della
GIORNATA  DELLA  MEMORIA
proponiamo  e  consigliamo  la  visione  di  questo  film

 M R.   K L E I N
FRANCIA,  1976   –   Regia:  JOSEPH  LOSEY

 

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Data:              Mercoledì 26 Gennaio 2022
Ore:                  16:45
Canale TV :    RETE 4  (canale 4 – 504 HD

 

COME  LE  FOGLIE  AL  VENTO( WRITTEN  ON  THE  WIND)
U.S.A.,  1956 – Regia:  DOUGLAS  SIRK

 

 

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Data:              Lunedì 24 Gennaio 2022
Ore:                  15:20
Canale TV :    IRIS  (canale 22)

 

L’ ASSEDIO  DI  FUOCO    ( R I D I N G   S H O T G U N )
U.S.A. – 1954  Regia:  ANDRE  DE  TOTH

 

Nel  1954  la  Warner  Bros.  mandò  sugli  schermi  20  film.  Anche  soltanto  i titoli,  senza  i  nomi  dei registi,  degli  interpreti  e  la  specificazione  del genere,  bastano  a  farci  sognare  e  tornare  per  un  attimo  a  quella  felice epoca  d’oro:             

L’invasore  bianco,  Lo  sceriffo  senza  pistola,  Il  mostro della via  Morgue,  Duffy  of  San Quentin,  Il  delitto perfetto (sì,  proprio  il capolavoro  hitchockiano!),  Il  trono  nero,  Un pizzico  di  fortuna,  Il  circo delle  meraviglie,  Riccardo  Cuor  di  Leone,  Prigionieri  del  cielo,  Assalto  allaTerra   (sì,  proprio  uno  dei  grandi  capolavori  della  fantascienza!),  Duello nella  giungla,  Rullo  di  tamburi,  Mandato  di  cattura,  È  nata  una  stella,  La belva,  Il  calice  d’argento.               Siamo  a  quota  17. I  tre  che  mancano  sono:  La città  è  spenta,  Cacciatori  di  frontiera  e  L’assedio  di  fuoco:  tutti  e  tre diretti  da  Andre  De Toth (1912-2002),  chiare  origini  ungheresi  (5  film  in patria  – a  Hollywood  Paprika… –  prima  di partire  per  gli  Stati  Uniti dove Tóth  Endre  diventerà  il cittadino americano  Andre  De Toth);  per  una manciata  di  anni  marito  felice  della  fragile, indimenticabile Veronica Lake (1922-1973);   attivo   a   fine   carriera   anche   in   Italia,   negli   anni   della “Hollywood  sul  Tevere ”  (Morgan  il  pirata,  I  Mongoli,  Oro  per  i  Cesari,  tra il  1960  e  il  1962).                                                                                                                                                               Andre  De Toth,  il  terzo  grande  guercio  di  Hollywood, dopo  John  Ford  e  Raoul  Walsh (Nicholas  Ray  non  era  guercio,  su  Fritz Lang  la  discussione  è  aperta…).

Già  ai  suoi  tempi,  gli  spettatori  andavano  (in tanti)  a  vedere  i  suoi  film, di  cui  ricordavano  i  titoli:  non  conoscevano  però  il  suo  nome.  Occorre  – al  solito –  guardare  ai  cinefili  parigini  per  afferrarne  l’importanza  e  la grandezza:  amatissimo  da  Bertrand  Tavernier  e  Jean-Pierre  Melville.  Più tardi   anche   Martin   Scorsese   dichiarerà   di   ammirare   De Toth, anunderrated  hero,  un  eroe  misconosciuto. L’assedio  di  fuoco  è  uno  dei  numerosi  western  che  Randolph  Scott  girò con  De Toth,  risultando  di  incredibile  efficacia  – con  quel  suo  viso  quasi di  marmo –  nel  dar  vita  a  uomini  di  poche  parole  ma  di  solida  moralità. Nel  film,  egli  è  un  uomo  il  quale  – per  dimostrare  di  non  essere  il fuorilegge  che  tutti  credono  sia –  deve  tutto  solo  lottare  contro  i  veri cattivi.

Il  titolo  originale  del  film  – Riding  Shotgun –  si  riferisce  al  mestiere esercitato  dal protagonista  Larry  Delong,  il  quale  è  l’uomo  di  scorta  che sulle  diligenze  sedeva  accanto  al  conducente  con  funzioni  di  difesa  e protezione  in  caso  di  assalto.  ‘Riding  shotgun’  perché  era  armato  di

fucile  (shotgun),  definito  “da  equitazione”  nel  pittoresco  linguaggio  della frontiera  per motivi comprensibili.  Sta di fatto che Larry cade  in un’imboscata da  parte  di  una  banda  di  fuorilegge  associati  a Dan Marady, l’uomo  che  ha  ucciso  sua  sorella  e  suo  nipote.           

Quandotorna  a  Deep Water,  Larry  scopre  che  quasi  tutti  gli  abitanti  credono  che sia   stato   coinvolto   in   una   rapina alla   diligenza   di   cui   era   il   riding shotgun. La  rapina  ha  provocato  due  morti.  Nessuno, esclusa  la sua  fidanzata e  Doc  Winkler,  ne  ascolta l’avvertimento,   e  cioè  che  gli uomini  di  Marady  stanno  arrivando  in  paese  per  compiere  davvero  una rapina.  Larry  è  costretto  a  rifugiarsi  in  una cantina,  e  a  stento  viene sottratto   al   linciaggio   dal  deputy   sheriff  Tub Murphy.   Ecco   intanto giungere  la  banda  di  Marady:  ma  – secondo  le  convenzioni  del  cinema  di allora –  il  lieto  fine  è  d’obbligo.  Però  Larry  Delong  se  l’è  vista  brutta… .

L’assedio  di  fuoco è  un  piccolo,  delizioso,  semplice,  bel  western  di  serie B:  vediamolo, per  nostro  piacere  e  per  celebrare  degnamente i   110   anni   dalla   nascita   e   i   20   dalla   morte   di  Andre  De Toth, «underrated  hero».

 

 

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Data:              Giovedì 20 Gennaio 2022
Ore:                  15:15
Canale TV :    IRIS  (canale 22)

LA  GATTA  SUL  TETTO  CHE  SCOTTA   
(CAT  ON  A  HOT  TIN  ROOF –  U.S.A. 1958) Regia:  RICHARD  BROOKS

 

To  be  like  a  cat  on  hot  bricks”;  “To  be  like  a  cat  on  a  hot  tin  roof”  (amer.):   = stare  sui  carboni  ardenti.

“The  Cat”  si  riferisce  a  Maggie  “la  gatta”  [cat  può  tradurre  anche  il  femminile,  she-cat  o  female  cat],  moglie  sola  e  sessualmente  frustrata  dell’alcolizzato  ex-giocatore  di  football  Brick  (Paul  Newman).  Maggie  (Elizabeth  Taylor)  non  sa  per  quanto  tempo  l’unione  potrà  andare  avanti.  Si  paragona  a  un  gatto  [a  una  gatta…]  la  quale  cerca  di  rimanere  su  un  tetto  di  lamiera  che  scotta,  ma  ha  paura  di  saltare,  perché  non  sa  dove  potrà  atterrare.

Un  titolo  celeberrimo,  che  ci  riporta  a  un’epoca  del  cinema  americano  (suppergiù  gli  anni  1950-1965),  quella  dei  melodrammi  ‘fiammeggianti’  fatti  apposta  per  mettere  in  rilievo  le  protagoniste  (belle  e  brave)  e  i  protagonisti  (belli  e  bravi)  dello  star  system  hollywoodiano;  gli  ambienti  e  gli  arredi  delle  case  dei  ricchi;  tenori  di  vita,  abiti  e  comportamenti  che  la  gente  comune  poteva  solo  immaginare.  Il  cinema  come  “officina  dei  sogni”,  appunto.  Non  è  ovviamente  questa  la  sede  anche  solo  per  iniziare  un  discorso  di  tipo  sociologico  su  quel  cinema:  qui  il  nostro  discorso  si  limita  alla  constatazione –  doverosa –  che  molti  di  quei  film  non  solo  erano  cinematograficamente  validi  ma  hanno  in  qualche  modo  segnato  la  Storia  del  Cinema  (basti  pensare  a  Douglas  Sirk,  a  John  M. Stahl,  a  William  Wyler…). 

Una  fetta  non  piccola  del  loro  successo,  dipendeva  dai  soggetti  (e  dalle  successive  sceneggiature).  Un  nome  con  cui  fare  i  conti  è  certamente  quello  del  drammaturgo  Tennessee  Williams  (1911-1983),  che  da  solo  fornì  al  cinema  Lo  zoo  di  vetroUn  tram  chiamato  desiderio,  Estate  e  fumo,  La  primavera  romana  della  signora  StoneLa  rosa  tatuataImprovvisamente  l’estate  scorsaLa  dolce  ala  della  giovinezzaLa  notte  dell’iguana.  E,  naturalmente,  La  gatta  sul  tetto  che  scotta.  Opere  che  trionfarono  sui  palcoscenici  americani  ed  europei,  vinsero  premi,  imposero  il  suo  nome  come  il  più  “forte”  del  periodo  postbellico.  Loro  tema  fondamentale  è  la  «rappresentazione  di  un  mondo  corrotto  e  corruttore,  dominato  dalla  violenza,  dall’interesse,  da  varie  forme  di  prepotenza  che  finiscono  per  schiacciare  gli  innocenti,  o  più  semplicemente  i  diversi».  Pubblico  e  critica  rimasero  colpiti  anche  dall’ambientazione  geografica  di  molti  lavori  di  Williams,  originario  del  Mississippi  e  dunque  a  suo  agio  nel  descrivere  il  ‘profondo  Sud’  degli  Stati  Uniti,  ancora  legato  al  ‘clima’  (in  tutti  i  sensi),  ai  valori  (o  disvalori)  pre-Guerra  di  Secessione.

La  gatta  sul  tetto  che  scotta,  con  dialoghi  (per  allora)  morbosi,  sessuofobie,  frustrazioni,  racconta  di  una  famiglia  dove  c’è  un  padre  che  si  scopre  malato  terminale,  un  figlio  maggiore  avido  (Jack  Carson),  quello  minore  (Paul  Newman)  depresso, bevitore,  fragile  ma  anche  debole  e  irresoluto.  Le  mogli  (comunque  in  posizione  subordinata…)  fanno  quello  – più  o  meno  ‘nobile’ –  che  possono  per  difendere  i  mariti.

Un  evergreen,  avvisa  “FilmTV”.  Sì,  e  noi  ne  consigliamo  la  visione.  Il  problema  è  però  questo:  La  gatta  sul  tetto  che  scotta  ha  resistito  all’usura  del  tempo?  Quanto  è  accettabile  oggi  la  pruderie  del  tempo  nel  censurare  la  (chiara)  omosessualità  del  personaggio  di  Paul  Newman?  Ormai  anche  in  Wikipedia,  cui  rimandiamo,  si legge:  per  non  incappare  nelle  maglie  del  Codice Hays,  fu  soppressa  la  tematica  originaria  del  testo  teatrale:  Brick,  un  atleta,  non  riesce  a  desiderare  la  bellissima  e  focosa  moglie  perché  non  si  è  mai  ripreso  dalla  morte  (per  suicidio)  di  un  compagno  di  squadra,  Skipper,  di  cui era  innamorato,  senza  però  sapere  o  accettare  di  essere  omosessuale.  E  annega  nell’alcool  qualunque  barlume  di consapevolezza  rischi  di  venire  a  galla. 

L’interpretazione  è  di  maniera:  basti  pensare  a  La  dolce  ala  della  giovinezza  (1962,  sempre  Brooks,  sempre  Williams;   ancora  un  Newman,  però  decisamente  migliore;  soprattutto  una  magnifica  Geraldine  Page  che  Elizabeth  Taylor  non  riesce  nemmeno  a  vedere…).  Taylor  era  più  indicata  per  i  film  in  costume:  “la  gatta”  era  una  parte  per  Lana  Turner.  Anche  Jack  Carson  è  qui  al  di  sotto  della  sua  performance  ne  Il  trapezio  della  vita,  di  Douglas  Sirk.  Quanto  al  Brick  di  Paul  Newman,  ci  piace  ripetere  ciò  che  a  suo  tempo  disse  Louis  Marcorelles,  il  quale  recensì  il  film  per  i  Cahiers  du  Cinéma:  «un  frère  de  ces  jeunes  Américains  qui  n’ont  jamais  fini  de  grandir»  (un  fratello  di  quei  giovani  americani  che  non  finiscono  mai  di  crescere).

Richard  Brooks  (1912-1992)  è  stato  un  buon  regista.  Il  suo  problema  era  la  “continuità  di  rendimento”.  Prima  de  La  gatta  ci  diede  due  ottimi  film,  Il  seme  della  violenza  e  L’ultima  caccia;  così  come  fece  subito  dopo  (Il  figlio  di  Giuda,  il  citato  La  dolce  ala  della  giovinezza  e  il  bellissimo  Lord  Jim,  tratto  da  Conrad).  Probabilmente  a  fine  anni  Cinquanta  attraversò  un  periodo  accidentato,  lanciandosi  ne  I  fratelli  Karamazov  (estraneo  alle  sue  corde),  e  nel  poco  felice  Qualcosa  che  vale.  Il  film  comunque  è  qui,  proviamo  a  vederlo:  oleografico  oppure  un  classico  riuscito?

 

 

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Data:              Domenica 16 Gennaio 2022
Ore:                  16:50
Canale TV :    RAI MOVIE  (canale 24)

 

MA  PAPÀ  TI  MANDA  SOLA ?   (WHAT’S  UP,  DOC ?)
U.S.A. –  1972 – Regia:  PETER  BOGDANOVICH

 

 

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Data:              Sabato 15 Gennaio 2022
Ore:                  17:00
Canale TV :    RAI STORIA  (canale 54)

 

H U G O   C A B R E T
(U.S.A. 2011) Regia:  MARTIN  SCORSESE

Il  primo,  il  primissimo  fondamento  che  motiva  questa  segnalazione  è  il  più  semplice,  il  più  condivisibile,  il  più  vicino  alla  ragion  d’essere  di  una  segnalazione:  dare  di  gomito  a  un  amico  quando  gli  si  voglia  dire  (con  tutti  i  migliori  sentimenti,  quasi  con  affetto…):  ecco,  non  perdere  questo  film  perché  è  bello,  e  soddisferà  al  massimo  grado  quel  che  ormai  tutti  chiamiamo  il  piacere  della  visione.  Senza  curarsi  della  verosimiglianza,  lanciando  la  mdp  in  favolose  carrellate  ad  alta  velocità  dietro  il  protagonista  Hugo,  il  regista  cinefilo  Martin  Scorsese  ha  modo  di  rendere  omaggio  a  Georges  Méliès  (1861-1938),  il  padre  fondatore  del  cinema  fantastico  e  fantascientifico.  Quanto  l’opera  dei  Lumière  ‘stava  addosso’  alla  realtà,  tanto  le  preoccupazioni  di  Méliès  erano  rivolte  alle  immense  possibilità  che  il  nuovo  linguaggio  apriva  alla  fantasia. 

La  vicenda  del  film  prevede  che  a  inizio  anni  Trenta,  l’orfano  dodicenne  Hugo  Cabret  viva  praticamente  ‘di  contrabbando’  in  una  grande  stazione  ferroviaria  parigina  (la  gare  Montparnasse),  dedicandosi  alla  manutenzione  degli  orologi  e  alla  riparazione  di  meccanismi  e  congegni.  ‘Mestiere’  e  passione  ereditate dallo  zio  e  dal  padre,  il  quale  gli  ha  lasciato  un  automa  che  non  era  riuscito  a  rimettere  in  sesto.  Hugo  viene  a  contatto  con  il  proprietario  del  negozio  di  giocattoli  della  stazione  stessa:  che  è  proprio  Georges  Méliès.  E  il  film  diventa  così  una  ricca  storia  a  quattro  (Hugo-automa-Georges-Isabelle,  figlia  degli  scomparsi  collaboratori  dell’inventore-regista).

Non  ci  si  stancherebbe  mai  di  ammirare  la  precisione  assoluta  con  cui  ambienti,  costumi,  colori,  caratteri  sono  ricostruiti  e  resi  dal  film.  Cinema  puro,  insomma,  che  non  è  poi  tanto  facile  trovare  oggigiorno  sugli  schermi.  Sarà  che  noi  siamo  particolarmente  sensibili  al  mito  mélièsiano  dell’illusione  di  celluloide,  ma  questo  omaggio  filologicamente  rigoroso  al  cinema  delle  origini,  lo  abbiamo  trovato  splendido.  Se  proprio  dobbiamo  esprimere  una  (moderata)  perplessità,  questa  deriverebbe  dal  tipicamente  scorsesiano  accumulo  di  materiale:  tante  citazioni,  mai  un  minuto  di  respiro,  inquadrature  sghembe  a  profusione,  tentazioni  virtuosistiche  sempre  in  agguato.  Beh,  averne  di  film  che  mescolano  David  Copperfield  (v.  il  personaggio  dell’ispettore  ferroviario  Gustav,  interpretato  dal  famoso  Sacha  Baron Cohen)  David  Copperfield  e  Giulio  Verne;  Harold  Lloyd  e  Charlie  Chaplin;  una  riflessione  sul  caleidoscopio  (v.  tutte  le  invenzioni  visive)  e  la  necessità  di  riandare  agli  affascinanti  studi  di  Jurgis  Baltrušaitis  intorno  alle  deformazioni  ottiche. 

Un  film  dunque  da  affrontare  solo  dal  punto  di  vista  di  un  raffinato  formalismo?  Ma  neanche  per  idea!  Sentite  cosa  dice  l’equilibrato  Paolo  Mereghetti:  «Nelle  mani  di  Scorsese,  il  bellissimo  romanzo  illustrato  di  Brian  Selznick  La  straordinaria  invenzione  di  Hugo  Cabret  permette  al  regista  di  intrecciare  i  due  temi  forti  della  sua  ispirazione:  la  sfida  del  singolo  per  trovare  il  proprio  posto  nel  mondo,  e  il  cinema  come  lente  per  capire  la  realtà.  E  dilata  la  sua  carica  poetica  fino  a  diventare  un  inno  alla  gioia  di  vivere  e  alle  capacità  dei  sogni  (cioè  dei  film)  di  regalarci  preziosi  momenti  di  felicità.  Quattro  stelle.»

 

 

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Per questioni  “ tecniche “  questa settimana ci è impossibile presentare la scheda dei film prescelti per la visione. Vi elenchiamo comunque una serie di titoli che meritano la visione.
 (due film: “Il traditore di Fort Alamo” e “Steve Jobs” li riteniamo i più “interessanti”)

                                                                                                               Buona visone

 

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Data:                Martedì 28 settembre 2021
Ore:                  21:00
Canale TV :    CINE 34  (canale 34)

 

 

 

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Per questioni  “ tecniche “  questa settimana ci è impossibile presentare la scheda dei film prescelti per la visione. Vi elenchiamo comunque una serie di titoli che meritano la visione.
 (due film: “Il traditore di Fort Alamo” e “Steve Jobs” li riteniamo i più “interessanti”)

                                                                                                               Buona visone

 

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Data:                Martedì 28 settembre 2021
Ore:                  21:00
Canale TV :    CINE 34  (canale 34)

 

LA  LEGGENDA  DEL  PIANISTA  SULL’OCEANO
1998,  Italia    Regia:  GIUSEPPE  TORNATORE

Settimana  interlocutoria,  questa,  in  cui  abbiamo  scelto  film  un  po’  controversi,  i  quali  sollecitano  il  giudizio  del  singolo  spettatore.  Film,  intendiamo  dire,  ‘aperti’,  che  hanno  suscitato  reazioni  contrastanti.  Prendiamo  questo  Tornatore.  Una  sorta  di  kolossal  girato  – in  lingua  inglese –  in  Ucraina,  con  attori  stranieri  anglofoni  e  collaboratori  più  che  illustri  (Ennio  Morricone  per  le  musiche,  l’ungherese  Lajos  Koltai  per  la  fotografia,  costumi  di  Maurizio  Millenotti,  soggetto  da  un  monologo  teatrale  di  Alessandro  Baricco).  Una  “favola  grandiosa”  – si  direbbe –  (40  miliardi  di  spesa),  costruita  a  tavolino  per  centrare  il  grande  successo  di  pubblico  e,  forse,  per  entrare  nella  storia  del  cinema.  Con  il  primo  scopo  è  andata  bene,  con  il  secondo  un  po’  meno.  Tornatore  (n. 1956)  già  vincitore  di  un  Oscar  meritato  con  Mediterraneo  (1991),  ha  poi  sempre  faticato  a  mettere  insieme  opere  totalmente  convincenti:  si  è  abituato  a  pensare  in  grande,  e  la  critica  non  infrequentemente  ha  fatto  pollice  verso.  Che  dire?  Provate  a  guardare questa  Leggenda:  forse  sapete  già  che  racconta  la  storia  di  un  Tim  Roth  pianista  che  sceglierà  di  non  scendere  mai  a  terra  dalla  nave  sulla  quale  fu  trovato  ancora  in  fasce:  è  un  uomo  che  “non  esiste”.  Lasciamo  però  a  un  estimatore  del  film,  l’illustre  critico  Paolo  D’Agostini,  il  compito  di  tracciare  qualche  linea  orientativa:  «(…) Che  lezione  ci  dà  questo  film,  che  insegnamento  ci  lascia  questo  bel  personaggio?  Forse  che  per  apprezzare  la  ricchezza  della  vita,  per  sapere  che  “è  una  cosa  immensa”  occorrono  tanto  i  Novecento  [è  il  nome  del  personaggio  di  Tim  Roth]  quanto  i  Max:  l’ingenuità,  la  follia,  l’isolamento,  la  ‘malattia’  degli  artisti  cui  Dio  ha  donato  il  genio  per  creare  ma  non  la  capacità  di  vivere  la  vita  comune;  e  l’adattabilità,  il  realismo,  il  senso  comune,  i  vizi,  ma  anche  la  capacità  di  perdersi  e  di  commuoversi  dei  loro  gregari.  Quelli  che  scendono  a  terra.  A  poco  più  di  40  anni,  come  il  Fellini  che  aveva  appena  fatto  La  dolce  vita  e  si  accingeva  a  fare  Otto  e  mezzo,  Tornatore  ci  consegna,  nel  doppio  richiamo  alla  fine  di  secolo  che  ci  ha  preceduti  e  a  quella  che  è  alle  porte,  una  metafora  che  resterà  perché  emoziona  senza  cedimenti  sentimentalistici,  e  perché  scava  senza  proclami  pretenziosi,  con  il  dono  di  una  “pesante  leggerezza”.  Tornatore  ha  sempre  avuto  la  tendenza  a  riempire  i  suoi  film  di  suggerimenti,  evocazioni,  citazioni,  intenzioni,  ma  qui  finalmente  il  sovraccarico  non  deborda,  si  fa  ricchezza  di  rimandi,  significati,  valori,  riflessi.  E  anche  la  mancanza  di  misura  (ci  sono  momenti  in  cui  le  due  ore  e  quaranta  non  paiono  tutte  necessarie),  si  lascia  perdonare,  anzi  giustificare  come  armonica  a  una  necessità  espressiva,  a  un’economia  narrativa,  a  uno  stile  personale.»

 

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Data:                Sabato 25 settembre 2021
Ore:                  15:20
Canale TV :    RAI 3

VIA  DALLA  PAZZA  FOLLA  (FAR  FROM  THE  MADDING  CROWD)
2015,  GB/U.S.A.  –  Regia:  THOMAS  VINTERBERG

 Questa  segnalazione  è  per  la  verità  originata  più  dall’incitamento  a  leggere  (o  a  rileggere)  il  romanzo  originario  di  Thomas  Hardy,  che  dall’intrinseca  pregevolezza  del  film  che  ne  ha  tratto  il  danese  Thomas  Vinterberg  (n. 1969)  il  quale  – con  L’ultimo  giro –  ha  vinto  l’Oscar  per  il  miglior  film  straniero  all’ultima  edizione.  Thomas  Hardy  è  scrittore  che  ha  sempre  avuto  pochi  lettori  in  Italia,  quantunque  i  suoi  romanzi  e  una  parte  delle  poesie  e  dei  racconti  siano  stati  tradotti.

Forse  Hardy  (1840 – 1928)  tiene  a  distanza  il  lettore  italiano  perché  esprime  una  visione  amara  e  desolata  della  vita,  in  cui  l’uomo  è  schiacciato  da  un  Fato  (rigorosamente  in  maiuscolo)  indifferente  e  ostile.  Lontano  parente  della  nostra  Grazia  Deledda,  ha  ambientato  tutte  le  sue  trame  nelle  campagne  del  natìo  Dorset  (da  lui  ridenominato  Wessex,  alla  maniera  anglosassone),  e  si  è  rivelato  un  grande  poeta  della  natura.  Per  questo  il  cinema  (inglese)  si  è  spesso  ispirato  ai  suoi  romanzi,   e  il  risultato  migliore  venne  raggiunto  dalla  splendida  versione  che  proprio  di  Via  dalla  pazza  folla  ci  diede  nell’ormai  lontano  1968  il  regista  John  Schlesinger.  Già,  ma  allora  c’era  alla  sceneggiatura  Frederic  Raphael  (90  anni  compiuti  lo  scorso  14  agosto:  auguri!),  Julie  Christie  come  Betsabea  Everdene; Peter  Finch  era  Boldwood,  il  proprietario  terriero  di  mezza  età,  Terence  Stamp  faceva  il  sergente  Troy  e  Alan  Bates  il  fedele  pastore  Gabriel  Oak.

Adesso  invece  il  problema  riguarda  proprio  gli  interpreti,  che  sono  totalmente  fuori  parte  (stavamo  per  scrivere  che  non  sono  all’altezza…),  con  la  sola  eccezione  della  brava  Juno  Temple  (n. 1989)  nel  breve  ruolo  della  sfortunata  Fanny  Robin.

E  dire  che  la  vicenda  è  ben  congegnata.  Betsabea  è  contesa  da  tre  uomini:  Oak,  appunto,  Troy  e  Boldwood.  Rifiuta  il  pastore  perché  non  è  abbastanza  ricco  e  il  proprietario  perché  non  lo  ama;  sposa  il  soldato,  ma  ne  ricava  solo  offese  e  amarezze.  Poi  il  proprietario  uccide  il  soldato,  e  Betsabea  può  correggere  l’errore  originario  sposando  il  pastore  Oak.  Il  film  è  corretto  dal  punto  di  vista  dei  bei  paesaggi  fotografati  a  colori,  i  costumi  sono  gradevoli,  qualche  scena  è  filmata  bene  (Betsabea  e  il  sergente  Troy  con  la  giubba  rossa  nel  bosco…),  ma  il  confronto  con  Schlesinger  è  improponibile.  Forse  Hardy  può  essere  portato  sullo  schermo  solo  da  registi  inglesi:  per  esempio,  anni  fa  (1979)  ci  si  mise  anche  Roman  Polanski  con  Tess  dei  d’Urbervilles.  Sì,  Nastassja  Kinski,  tre  premi  Oscar:  sostanza,  però,  pochina.

Via  dalla  pazza  folla:  sì,  vedetelo  (non  vi  annoierà  di  certo);  vedetelo,  e  poi  via  di  corsa  al  romanzo.    

 

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R
itorniamo dopo la pausa estiva con la nostra rubrica di “consigli” per la visione di film di qualità.

Molti i titoli che meriterebbero la vostra attenzione, ma le nostre scelte si orientano su pellicole trasmesse in orari “umani”, pomeriggio e prima serata. Chissà perché i “capolavori” li trasmettono in orari notturni o all’alba… quelli non ve li proponiamo, ma dalla prossima pubblicazione potremo perlomeno evidenziarveli…se soffrite d’insonnia!!!
                                              Buona visione

 

 

Data:                Mercoledì 22 settembre 2021
Ore:                  16:30
Canale TV :    RETE 4 (504 HD)

 

SCANDALO  AL  SOLE  (A  SUMMER  PLACE)
1959,  U.S.A.    Regia:  DELMER  DAVES

 

«Preferisco di gran lunga che il pubblico non sappia che c’è un regista. Questa è la mia tesi generale riguardo alla regia.»

Non si può certo sostenere che l’americano Delmer Daves (1904 – 1977) non sia stato accontentato in questo suo auspicio teoretico. Di fatto, ancora oggi molti suoi titoli (la decina di western: L’amante indiana, 1950; L’ultima carovana, 1956; Quel treno per Yuma, 1957; L’albero degli impiccati, 1958 …), sono vivi nella memoria degli spettatori, ma quanto a ricollegarli complessivamente al suo nome in segno di avvenuta identificazione autoriale, ebbene siamo ancora piuttosto lontani. Che simile atteggiamento sia da estendere anche agli addetti ai lavori, è però davvero singolare: singolare perché – esso sì – consapevole ( e dunque colpevole…!).

Estraneo al triangolo Vienna-Berlino-Hollywood, all’humus culturale ebraico, alle soluzioni narrative (Edgar G. Ulmer) o visive (Jacques Tourneur) ‘estreme’ di certi suoi coetanei, a Delmer Daves è stato fatto pagare un biglietto esageratamente caro per i fluviali melodrammi del quadriennio 1961-’65, da Vento caldo ad Accadde un’estate. In Francia era tempo di Nouvelle Vague e il 68 bolliva già in pentola; negli Stati Uniti non gli furono perdonati l’ipocrisia e i pregiudizi attribuiti alle classi sociali benestanti, soprattutto nei rapporti intergenerazionali. Sono proprio i temi che Daves affronta a partire dal celebre Scandalo al sole, celebre perché la colonna sonora di Max Steiner ha segnato un’epoca ed è ancora ben presente a chi aveva sedici-diciotto-vent’anni quando uscì il film. È totalmente fuori moda Scandalo al sole ? Alcuni rispondono affermativamente, ma è una domanda che riveste poco significato nel momento in cui lo si guarda con l’occhio dello storico, sia del cinema che dell’american way of life (e forse non soltanto). La vicenda è nota: è la storia di tre coppie, due di genitori male assortiti e una dei rispettivi figli che si amano con l’entusiasmo della giovane età. Ambientata a Pine Island, al largo della costa atlantica del Maine, traccia di fatto un parallelo tra la pruderie, il tipico puritanesimo di molti ambienti ricchi dell’East Coast, e la permissività – sì, in materia sessuale innanzitutto… – richiesta dalle generazioni che avanzano. Due generazioni a confronto insomma, dove il liberal Daves ha buon gioco nello stigmatizzare – v. la Helen Jorgenson di Constance Ford – snobismo, pregiudizi sociali e razziali, ipocrisia (la stessa che spinse i distributori italiani a tradurre il titolo originale A Summer Place con Scandalo al sole…!). Detto che il problema maggiore del film risiede nel cast (bravissimo, come sempre, Arthur Kennedy nel ruolo di Bart Hunter, marito disincantato di Sylvia Hunter/Dorothy McGuire; non più comprensibile invece il motivo che spinse a valorizzare i bamboleggianti Troy Donahue e Sandra Dee come la coppia giovane), non è il caso di fare pollice verso a Scandalo al sole: una volta riposizionato nel suo proprio contesto cronologico, contiene anch’esso una parte di verità.

 

 

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Data:                Domenica 19 settembre 2021
Ore:                  21:15
Canale TV :    26 CIELO

LEZIONI  DI  PIANO  (THE  PIANO)

1993 – Australia / Francia

Regia:  JANE  CAMPION

 

Non  fosse  stato  per  lei  e  per  il  Peter  Weir  di  Picnic  a  Hanging  Rock,  quanti  fra  noi  (e  fra  gli  addetti  ai  lavori…)  avrebbero  spontaneamente  cominciato  a  considerare  che  la  lingua  inglese  ricomprende  la  cultura  raffinata  e  autonoma  di  un  intero  Continente  geografico,  una  cultura  da  indagare  per  mezzo  di  categorie  mentali  libere  e  indipendenti ?  Cinema  e  Australia;  cinema  e  Nuova  Zelanda:  ma  chi  ci  aveva  mai  pensato ?  E  invece  oggi  possiamo  essere  qui  a  scrivere  con  certezza  assoluta  che  il  primo  posto  nell’ambito  di  una  classifica  di  merito  riguardante  le  registe  che  hanno  operato  e  operano  nella  Storia  del  Cinema,  spetta  ex-aequo  a  Ida  Lupino  (1918 – 1995,  inglese)  e  a  Jane  Campion,  nata  a  Wellington,  Nuova  Zelanda,  il  30  aprile  1954. 

Chi  ha  seguito  su  RaiMovie  la  recentissima  cerimonia  di  assegnazione  dei  premi  a  conclusione  della  Mostra  di  Venezia,  non  potrà  dire  di  non  essere  stato  colpito  dal  suo  volto  inquadrato  in  primissimo  piano:  emanava  la  forza  interiore,  la  decisione,  il  ‘marchio’  vorremmo  quasi  dire,  di  una  donna  il  cui  destino  è  l’arte,  l’espressione  artistica,  la  comunicazione  di  sensazioni  che  aiutano  a  capire  ad  alti  livelli  di  profondità  l’universo  nel  quale  ci  è  stato  dato  di  vivere  (e  non  solo…).  Come  non  pensare  ad  Artemisia  GentileschiAngelika  Kauffmann, Vittoria  Colonna,  a  Katherine  Mansfield  stessa,  presente  in  tutte  le  storie  della  letteratura  inglese  e  conterranea  di  Jane  Campion ?

Sentite  come  Giovanni  Grazzini  (quanto  ci  mancano  critici  come  lui,  come  Guglielmo  Biraghi,  Claudio  G. Fava…)  apriva  sul  “Corriere”  la  recensione  dedicata  a  Lezioni  di  pianoTra  i  film  belli  della  stagione,  Lezioni  di  piano  fa  spicco,  forte  ritratto  d’una  donna  vincente  compiuto  da  una  donna  intelligente  e  sensibile,  venuta  dal  femminismo  a  celebrare  l’assoluto  dell’amore.  Questa  storia  romanticamente  eccessiva,  è  narrata  da  Jane  Campion  con  uno  stile  di  volta  in  volta  vibrante  e  sfumato,  che  ha  una  grande  forza  inventiva  e  d’espressione.  Usando  la  mdp  col  piacere  quasi  sensuale  di  trascorrere  sui  volti,  gli  oggetti,  i  comportamenti  per  coglierne  la  valenza  fantastica,  evoca  il  valore  del  tatto,  esalta  la  comunicazione  trasmessa  non  già  con  la  parola  ma  con  la  nota  musicale,  esplora  attraverso  l’immagine  la  zona  dell’inespresso,  e  in  una  perdurante  atmosfera  di  lirismo  trae  da  tempo  e  spazio  tante  occasioni  emotive. 

Avete  letto  bene:  Lezioni  di  piano  è  un  film  che  celebra  l’assoluto  dell’amore,  e  –  senza  ‘steccare’ –  tocca  anche  l’amore  carnale  per  affermare  la  volontà  femminile.  Segnatevi  dunque  questo  appuntamento,  e  il  nome  di  Jane  Campion:  con  lei  –  connazionale  di  Edmund  Hillary –  il  cinema  sale  a  quota  ottomila. 

 

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Probabilmente avrete notato che la rubrica di CINEMA è stata interrotta …..  in parte per la scarsa qualità della programmazione  ma anche per il “naturale” desiderio di riposo dopo un anno dedicato non solo all’ACU del nostro esperto “principe” Giulio Fedeli.

Vi ringraziamo per l’attenzione con cui ci avete seguito in tutto questo periodo di “tempo senza tempo” e Vi diamo appuntamento a settembre  per riprendere il nostro percorso, nella speranza di poterlo presentare a pieno regime ed in presenza non appena le circostanze ce lo permetteranno.

Nel frattempo vi auguriamo una serena estate con l’invito comunque ci continuare a seguirci sul sito e sulla pagina Face Book.

 

 

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Data:               Martedì 1 Giugno 2021
Ore:                  16:15
Canale TV : RETEQUATTRO

GIUBBE  ROSSE
  (NORTHWEST  MOUNTED  POLICE) 
 
di   Cecil  B.  De  Mille    U.S.A. 1940
Con  Gary  Cooper,  Paulette  Goddard,  Preston  Foster,  Robert  Preston

La critica cinematografica (c.c.) che riflette sulle sue basi teoretiche: mai ci stancheremo di raccomandarvi la lettura di quei testi che analizzano quali strumenti gli addetti ai lavori mettono in campo (o non mettono in campo…) per formulare i loro giudizi. Cominciate con l’agile guida dell’ottimo Alberto Pezzotta, divulgativa e rigorosa (La c.c.; Carocci, Roma 2007); seguitate con il volume dell’universitario Claudio Bisoni (La c.c. Metodo, storia e scrittura; Archetipo, BO 2008). Poi però prendetevi anche una vacanza: per es., provate a procurarvi (e non preoccupatevi dell’inglese: lo leggerete lo stesso, e non dovrete ricorrere all’aiuto del dizionario così spesso come pensate) The Fifty Worst Films of All Time. Sì, perché Giubbe Rosse -il film che vi consigliamo oggi di non perdere- a detta degli autori rientra proprio nell’elenco dei 50 peggiori film mai girati. E questa è già una (validissima) ragione per spingervi a vederlo: pensate infatti come sarebbe salutare cominciare a farvi qualche domanda se vi dovesse piacere.

Ricordate quando durante i nostri incontri presentammo -qualificandoli come “capolavori” (è un modo di dire, è un modo di dire…)- titoli come Madre Giovanna degli Angeli, Strategia di una rapina, o Irene Irene di Peter Del Monte, che vi lasciarono invece perplessi, se non indifferenti? Chi stabilisce quali sono i film migliori o peggiori della storia del cinema?

Sappiate che nel libro citato (procuratevelo, ci ringrazierete!), immediatamente prima di Giubbe Rosse (1940), l’elenco prevede La taverna della Giamaica (1939, Alfred Hitchcock); prima ancora Il cavaliere della libertà (1930, di D.W. Griffith), poco dopo Ivan il terribile (1944, di S.M. Ėjzenštejn). C’è anche un Preminger, un Losey, un Resnais. C’è bisogno di aggiungere altro?

Sì, c’è bisogno di aggiungere che Giubbe Rosse è un bel film avventuroso, con DeMille per la prima volta alle prese col Technicolor, il quale aggiunge splendore alla maestà dei paesaggi, alla venustà di Paulette Goddard, alla ‘scrittura’ cinematografica senza tempi morti. E questo è ancora nulla, perché il regista ci immerge in un quadro storico che –soprattutto qui in Italia- conosciamo forse ancora troppo poco: la rivolta dei Métis intorno agli anni Ottanta del XIX° sec. Erano costoro i meticci di lingua francese discendenti dalle unioni tra coloni franco-canadesi con donne Cree, Saulteaux, Ojibway, Algonquin. E le appena create (1873) Tuniques Écarlates, si trovarono a dover operare in quei territori immensi, contro popolazioni ostili, dove il banditismo era spesso mescolato alle rivendicazioni ‘nazionali’. Nel film compaiono alcuni personaggi storici, come appunto Louis Riel e Jacques Corbeau superbamente caratterizzato da George Bancroft, il quale aveva appena smesso i panni dello sceriffo Charlie Wilcox in Ombre Rosse. Gary Cooper è Dusty Rivers, un ranger texano giunto in Canada sulle tracce appunto di Corbeau. Paulette Goddard è Louvette (=lupetta), la scatenata figlia di Corbeau. Ed ecco un’altra caratteristica tipica del cinema di Cecil DeMille: l’inserimento mai fuori luogo di storie d’amore e sentimento. Noi non ve lo diciamo: tocca a voi infatti contare quante ne sono romanticamente presenti in Giubbe Rosse. A noi lasciate il compito di sottolineare la bella delicatezza della battuta che Gary Cooper porge alla fine a Madeleine Carroll: «Il Texas sarà più triste senza di lei».

Avendo aperto con delle indicazioni bibliografiche, chiuderemo allo stesso modo. Forse fate ancora in tempo a trovare in edicola l’ultimo numero di Tex Magazine 2021: contiene decine di pagine curate da Graziano Frediani dedicate alle Giubbe Rosse, alla loro storia e leggenda, alla loro canadesità, ai numerosi film che hanno ispirato, tanto numerosi da originare un piccolo filone autonomo del genere western. Buona visione. E Buona lettura.

 

 

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Data:               Giovedì 27 Maggio 2021
Ore:                  17:10
Canale TV : 22 – IRIS

L’ I N F E R N A L E  Q U I N L A N  di  O r s o n  W e l l e s   U.S.A. 1958

Qualche anno fa, un docente di A.C.U. ci disse che si accingeva a partire per un viaggio di piacere in Spagna, e che una delle tappe sarebbe stata la città andalusa di Ronda. La reazione fu automatica: dovette giurarci che a qualsiasi costo sarebbe andato a cercare la finca (= tenuta) di Antonio Ordóñez (1932-1998), nel patio della quale – in una vera di pozzo cieca ricolma di terra della Plaza de Toros – giace l’urna con le ceneri di Orson Welles (1915-1985). Il grande e celebre torero, era molto amico sia di Welles che di Hemingway, dos americanos que idolatraban la corrida de toros. Al suo ritorno, il collega ci disse che, essendo proprietà privata, la tenuta non era aperta al pubblico: non aveva dunque potuto scattare le fotografie richieste.

Che cosa era accaduto a noi – da sempre disobbedienti all’obbligo diffuso di decretare Quarto potere e Orson Welles rispettivamente il film e il regista più importanti della storia del cinema – per intraprendere, sia pure attraverso interposta persona, un ‘pellegrinaggio’ wellesiano così pregnante di riconoscimenti? La risposta è semplice. Messa a parte la lettura del libro di Peter Bogdanovich, ci era diventato impossibile negare l’autentico piacere della visione che un titolo qualsiasi di Orson Welles procura, sia esso vicino al suo progetto iniziale o manomesso dai produttori. Per esempio, che il suo gusto per il mascheramento – eccessivo e debordante quanto si vuole – è basilare in ordine ai concetti di finzione e spettacolo con cui le storie cinematografiche devono fare i conti.

Proviamo a prendere il poliziotto ‘deviato’ Hank Quinlan di questo film. È un po’ la sintesi di tutti i “cattivi” wellesiani, e il regista-interprete si è sbizzarrito nell’applicargli anche visivamente tutti i difetti possibili e immaginabili: grasso, vecchio, laido, brutalmente volgare, alcolizzato, ributtante nel suo aspetto sudaticcio (moite, direbbero i francesi). Ne sarebbero bastati due – tre, via – per farne comunque un personaggio odioso. Ebbene, il fatto che Hank Quinlan assurga invece a simbolo della complessità dell’animo umano, si trova enormemente potenziato da simile descrizione: poliziotto che non esita a fabbricare prove false pur di incastrare quelli che ritiene i colpevoli di un reato, ha dalla sua un fiuto praticamente infallibile. Forse, più ancora che di complessità, si dovrebbe parlare di ambiguità dell’animo umano, di negatività positiva di un personaggio tutore di un ordine allarmante e che tuttavia è estraneo al concetto di vantaggio personale, legato a una idea di giustizia implacabile ma “giusta”. Il vero colpevole de L’infernale Quinlan è quello che lui aveva intuito; lui, così lontano dalla correttezza formale del bello e pulito Mike Vargas di Charlton Heston, campione di mediocrità lineare.

Eh, sì; sappiate che dovrete prendere una posizione nei riguardi dell’energia dittatoriale condita di sarcasmo ironico che sprigiona da Hank Quinlan. Tornano alla mente il discorso dei cucù svizzeri che l’angelico e perfido Harry Lime ci sottopone ne Il terzo uomo; la mancanza di limiti morali del suo Macbeth. Soprattutto deve tornare il ricordo della piega tragica delle labbra del commissario di polizia François Périer, mentre nel melvilliano Frank Costello faccia d’angelo confessa – vergognandosene – a Nathalie Delon: «La verità è quella che dico io, malgrado i mezzi che devo usare per raggiungerla!»

Sì, è davvero difficile rimanere indifferenti di fronte al ritratto di Hank Quinlan: e solo un regista/interprete davvero grande lo poteva tracciare.

Il resto è cosa nota: il piano-sequenza iniziale al posto di frontiera tra Stati Uniti e Messico; quello della famosa scatola da scarpe; l’uso del grandangolo; il cameo della divina Marlene Dietrich nel ruolo di Tanya, cui tocca pronunciare l’orazione funebre per Quinlan: «He was some kind of a man» [= a modo suo, era un grande uomo].

Il critico americano Danny Peary ha sintetizzato bene i motivi di quel piacere della visione cui abbiamo accennato: nell’Infernale Quinlan, Welles ha enfatizzato gli elementi di squallore, ma li ha filmati da vero artista.

 

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Data:               Venerdì 21 Maggio 2021
Ore:                  16:45
Canale TV : 22 – IRIS

SHAKESPEARE  IN  LOVE   di  John  Madden    U.S.A. 1998

Ce la ricordiamo bene la stagione cinematografica di Shakespeare in Love. Uscirono molti titoli di sicuro interesse, come Ronin, La sottile linea rossa, Train de vie, Salvate il soldato Ryan… . Chissà se fu quella la ragione che portò la critica italiana a trascurare questo film del britannico John Madden (n.1949), il quale aveva esordito bene con Ethan Frome (tratto da Edith Wharton) e in anni più recenti ci avrebbe dato il dittico di Marigold Hotel. O forse Shakespeare in Love venne guardato con sospetto a causa della messe di Oscar che lo gratificarono, e del cast zeppo di nomi importanti (Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Judi Dench, Colin Firth…). Insomma: una furba operazione commerciale studiata a tavolino o un’altra pellicola costruita intorno all’universo del Bardo che ormai costituisce quasi un genere a sé?

Il nostro consiglio è di non lasciarsi prendere dalla fretta nell’emettere un giudizio. Attenzione infatti, perché alla voce “sceneggiatura” compare il nome di Tom Stoppard (n.1937), il drammaturgo inglese di origine cecoslovacca già regista in proprio del famoso Rosencrantz e Guildenstern sono morti e molto attratto dall’autore di Amleto. La notizia che Shakespeare in Love è opera di fantasia, è una buona notizia: in mancanza di una documentazione certa che faccia luce sull’intera vita di William Shakespeare, Tom Stoppard inventa la storia della nascita di un capolavoro rivisitando il mito di Romeo e Giulietta a partire da un altro mito, quello di una presunta musa che avrebbe ispirato il Bardo, liberandolo da una lunga crisi creativa.

Siamo infatti a Londra, nell’estate 1593 – dunque nel bel mezzo dell’età elisabettiana – dove l’astro nascente della scena teatrale non riesce a portare a termine la sua nuova opera. Ma tutto cambia quando il giovane William (Joseph Fiennes) si innamora di Lady Viola De Lesseps (Gwyneth Paltrow). Viola, decisa a diventare attrice nonostante le convenzioni dell’epoca impedissero alle donne di recitare, si traveste da uomo per poter partecipare alle audizioni: sarà lei – la vera Giulietta – a interpretare il Romeo che Shakespeare aveva sempre sognato.

L’idea è molto stuzzicante, perché il travestimento di Viola racconta altre trame shakespeariane (La dodicesima notte, I due gentiluomini di Verona…, provate a ‘lavorarci’ un po’ intorno), e valorizza la vitalità che il drammaturgo – immerso nelle medesime passioni dei suoi personaggi – è stato capace di infondere loro. Il regista Madden mette in scena l’affascinante mondo del teatro elisabettiano con grande sontuosità: collaborazione e rivalità fra gli autori e le compagnie teatrali; gli attacchi dei puritani; il coinvolgimento festoso e rumoroso del pubblico di estrazione popolare.

Forse esagereremo, ma partendo da Shakespeare in Love un professore universitario di Storia del Teatro e dello Spettacolo potrebbe agevolmente ricavare materia per un corso monografico della durata di un intero anno accademico. Che non è proprio male per un film, se è vero – come è vero – che nella sua “Guide des Films” lo storico e critico francese Jean Tulard afferma che Shakespeare in Love richiama il celebre Enrico V di Laurence Olivier.

 

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QUATTRO  PERCORSI  PER  UN  CINEFORUM  PERSONALE

 

Questa  settimana  (15-21  maggio),  l’abbondanza  di  buoni  titoli  è  tale  da  consentirci  e  consigliare  il  disegno  di  una  sorta  di  “cineforum”  personalizzato  a  seconda  di  gusti  e  preferenze. Vediamo.

 

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